梵蒂冈中的 Prison Break

 

话说《梵蒂冈绘画大全》的翻译,在正文部分,已经过半了,艺术君也确实有很多收获和感慨。

要说起来,梵蒂冈的面积还不如故宫大,但却能集中这么多西方艺术瑰宝,虽然以前多少有些概念,但认识程度远远不够。这次翻译的过程,让艺术君从更多角度了解了这个宗教和艺术圣地。

继续介绍拉斐尔房间,我们的脚步挪到赫利奥多路斯厅。这个展厅中当然还有好几幅体量惊人的作品,不过今天想特别介绍这幅《解放圣彼得》,在这个奇迹中,圣彼得在天使的帮助下,成功脱狱 拉斐尔(拉法埃洛·桑蒂),1483—1520,圣彼得从狱中释放, 1514,湿壁画,赫利奥多路斯厅,拉斐尔展厅

Raphael (Raffaello Sanzio), 1483–1520, The Liberation of St. Peter from Prison, 1514, Fresco, The Room of Heliodorus, Raphael Rooms

该湿壁画的主题是:从狱中释放圣彼得。这是记录于《圣经·使徒行传》(12:1—19)中的奇迹事件。犹太人的王希律·亚基帕一世 将彼得丢入大狱,命令人严加看管。但是一名天使在夜间降临,满身圣光,释放了门徒,带他出狱,而卫兵毫无察觉,虽然他们和圣彼得用锁链捆在一起。该事件让拉斐尔有机会展现自己绘制夜间场景的技巧。他将地牢的昏暗与天使的耀眼圣光做鲜明对比,强调来自天界的神灵超凡脱俗的特点。壁画展现出故事中的三个时刻:画面中间,我们看到,牢房中天使正在解除圣彼得的镣铐,那镣铐将他与两个睡着的卫兵连在一起。

画面右边,天使用手小心引领圣人,走过两名睡着的卫兵。

画面左边,可以看到士兵已经醒来,十分不安,在讨论囚犯如何能毫无动静地消失不见。

考虑到这个房间的环境,该作品站在信徒的角度,证明了上帝神迹的介入,同时特别强调众教皇都是在继任圣彼得。

至于赫利奥多路斯厅,被尤利乌斯二世用作私人会面,其中的装饰是要提醒来访的教会、政界以及外交要人们:上帝的力量在保护着教会。该房间目前的名字来自一幅湿壁画,其中描绘了将赫利奥多路斯逐出圣殿的场景。这个事件发生在《圣经·旧约》中,上帝为了保护圣殿中的教产,将其驱逐出去。《圣经·新约》中的故事——《解放圣彼得》是另一幅壁画的主题,明显指明:教皇作为圣彼得的继任者,他们会得到上帝保护。《利奥一世与阿提拉的会面》设定在中世纪早期,其中的上帝在卫御罗马和基督教,当时面临异教的威胁。最后的《博尔塞纳的奇迹》中,描绘了一二六三年的圣体奇迹,该奇迹使得教皇乌尔班四世设立了基督圣体节 。

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【说明:以上文字内容译自《梵蒂冈绘画大全》,版权归郑柯所有,转载请标明出处。】

加莱义民 by 罗丹

The Burghers of Calais, Francois-Auguste-Rene Rodin(France), c.1884, Naturalism, Bronze, H: 200 cm, In situ, Victoria Tower Gardens, London

加莱义民,弗朗西斯-奥古斯丁-雷尼·罗丹(法国),约1884年,自然主义,青铜,高:200厘米,维多利亚塔花园,伦敦

1884年,奥古斯丁·罗丹(1840-1917)被加莱的市长找到,请他设计尤斯塔什·德·圣皮埃尔(Eustache de St. Pierre)与其同伴们的塑像。在英法百年战争中,当时加莱被围困,断饮断食,这些人站出来,拯救了市民。傅华萨(Froissart)记录下了他们的事迹:事情发生在1347年,这6个人走出城墙,前往敌阵,向胜利的英王爱德华三世投降。

罗丹研究了傅华萨的记录,坚持认为:他应该表现所有6个人,而且以超出正常人尺寸的方式。每个人物先用粘土在活人模特身上建模,接下来,在准备阶段用的石膏模型(现位于巴黎的罗丹博物馆)中,罗丹表现出这些衣衫褴褛的人们,脖子上还套着绳索。

在1884-1885年间,包括图中展示的这一座,这组雕像一共浇铸了12组,它也成为雕塑家最具争议、最广为人知的一件作品。起初,没几个人喜欢这件作品的主题,人们以为这些义民看起来像囚徒、罪犯,或是穷困的乞丐。人物的形体和面孔达到了非正统的现实主义风格。艺术家后来为作品做出有力的辩护,他说道:“人们只是要求我做出一件大师级的作品……对我来说,艺术的问题要凌驾于其他一切之上。”

【说明:以上文字内容,部分译自《30,000 Years of Art》,纯属个人爱好,英文版权仍归原作者所有,转载请标明出处。by 郑柯-Bryan,扫描下方二维码,关注“一天一件艺术品”微信公众号】

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模特 by 修拉

Models, Georges Seurat(France), c.1887, Neo-Impressionism/Pointillism, Oil on Canvas, 200 x 200 cm, The Barnes Foundation, Merion Station, Pennsylvania

模特,乔治·修拉(法国),约1887年,新印象派/点画派,布面油画,200×200厘米,巴恩斯基金会,梅里恩站,宾夕法尼亚

在拒绝了印象派的自然主义画法之后,修拉(1859-1891)创新出自己的绘画方法,这种方法与现代化的理想主义相一致,他自己也参与到象征主义先锋派中,同时深入探索色彩理论科学。他曾写道:他的目标,是要建立“一种属于我自己的绘画方法。”修拉着迷于原创,他发明了点画技法:用彼此独立的颜色圆点绘画;这技法让他的图像有一种不变的特质。他描绘的当代场景中,人物都接近雕塑,就像古老建筑的横梁雕带上的图景,这一切与纯洁的色调和强劲的现实主义结合在一起。

这幅作品创作于1886与1888年之间,构图中的模特可能是从不同角度观察的同一个模特,也可能是三个不同女孩同时摆姿势。修拉早期的经典之作《格兰·杰特岛星期天的下午》在背景中显露出一部分,似乎艺术家要让大家思考艺术与生活之间分开的现实。

修拉在32岁离开人世之后,像这样的作品被他的追随者和仰慕者称颂不已,最著名的是新印象派画家保留·西涅克,而修拉一直是19世纪后期法国最有影响力的艺术家之一。

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黑利阿迦巴鲁斯的玫瑰 by 劳伦斯·阿尔玛- 塔德玛

Roses of Heliogabalus, Lawrence Alma-Tadema(UK), 1888, Fie de siecle/Victorian Period, Oil on Canvas, 132 x 213 cm, Private Collection

黑利阿迦巴鲁斯的玫瑰,劳伦斯·阿尔玛-塔德玛(英国),1888年,世纪末、维多利亚时期,布面油画,132×213厘米,私人收藏

1866年,拉斐尔前派的西米恩·所罗门(Simeon Solomon)创作了一幅水彩画,其中描绘了罗马帝国皇帝黑利阿迦巴鲁斯,画风令人陶醉,又让人绵软无力。黑利阿迦巴鲁斯被自己的禁卫队卫士所杀,但在此之前,他纵情色欲、酒池肉林、荒淫奢靡,而又嗜杀成性。据说,他在举办一次大型盛宴和狂欢的时候,安排了无数的花,倒在喝醉的宾客身上,令他们窒息而死。在19世纪后期,作家和艺术家发掘了这罗马历史的反英雄式人物,将其视为荼蘼到极端的代表人。

这幅劳伦斯·阿尔玛-塔德玛(1836-1912)的作品于1888年在伦敦展出,侧重于表达美感,而不是黑利阿迦巴鲁斯的残忍,这种方式也标志着英国艺术的根本转变。

受害者们似乎轻易死去,帝王靠在自己的宝座上,对此场景毫不动心。享乐的氛围很容易看出来:优雅的女性诗琴演奏者背对屠杀,望向远方的意大利式山景。

随着花朵落下,艺术家将玫瑰花瓣与死亡并置在一起,营造出兴奋、刺激的图景。最初的故事来自于吉本的《罗马帝国衰亡史》,帝王用暴力和其他花朵谋杀了他的客人,但是劳伦斯·阿尔玛-塔德玛选择描绘玫瑰,表明维多利亚时代的花朵是淫欲的象征。

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特拉比克,圣保罗医院的接待员 by 凡·高

Trabuc, Attendant at Saint-Paul’s Hospital, Vincent van Gogh(Netherlands), 1889, Post-Impressionism, Oil on Canvas, 61 x 46 cm, Kunstmuseum, Solothum, Swithzerland

特拉比克,圣保罗医院的接待员,凡·高(荷兰),1889年,后印象派,布面油画,61×46厘米,索洛图恩美术馆,瑞士

在他相对不长的绘画生涯中,凡·高(1853-1890)创作了很多肖像画。这些肖像画全部具有强有力的色彩和构图,令人望之而生强烈的存在感。

1889年,凡·高是圣雷米市(Saint Remy)圣保罗医院的病人,他当时为接待员特拉比克和他的妻子绘制了肖像。这个男人令画家十分着迷。“一张很有趣的脸”,凡·高在给自己弟弟提奥的信中这样写。画作中的颜料使用粗犷而写实,铺陈的方式表现在接待员脸上交叉纵横的线条上,体现出他的感情,甚至他遭受的苦难。但是也有一种温文尔雅的气质,这在凡·高很多出色的肖像画中都有体现,其标志就是紧系的领结和紧扣着外套的黄色纽扣。

凡·高十分喜欢这幅肖像,此后他又画了一幅,并送给了他的弟弟,现在人们知道的是这个版本。原作被画家送给了模特,从那之后就消失了。

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夜 by 费迪南德·霍德勒

The Night, Ferdinand Hodler(Switzerland), 1890, Symbolism, Oil on Canvas, 299 x 116 cm, Kunstmuseum, Berne

夜,费迪南德·霍德勒(瑞士),1890年,象征主义,布面油画,299×116厘米,伯尔尼美术馆

费迪南德·霍德勒(1853-1918)是唯一一名享誉国际的瑞士艺术家,他绝大部分职业生涯都在瑞士度过,而且创作主题主要选自瑞士。他一直游离于欧洲艺术主流之外,但是他的第一幅重要作品——《夜》,其中他描绘了深奥难懂的梦幻世界,体现出象征主义对他的影响。这幅作品由于被认为过于猥亵,被日内瓦展览拒绝,但是在1891年的巴黎战神广场沙龙上展出,吸引了主要象征主义画家和公众的关注。

隐喻般的黑色场景,表现了睡眠、梦幻和死亡的主题。艺术家将自己描绘为中间的人物,用布帘遮盖的死亡幽灵将他从睡梦中惊醒;其他人物仍然毫无知觉。

霍德勒对于裸体进行了详细的研究,他认为真实比美更重要,并在这幅画中表现出他对于充满表现力的姿势的喜爱。在这里,他创造出一种独特的构图风格:线条、形状和颜色构成清晰的节奏;他称之为平行主义(Parallelism)。霍德勒的风格有力而且有原创性,现在被视为表现主义的先驱。

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班卓琴课 by 坦纳

Banjo Lesson, Henry Ossawa Tanner(USA), 1893, Naturalism, Oil on Canvas, 125 x 90 cm, Hampton University Museum, Hampton, Virginia

班卓琴课,亨利·奥萨瓦·坦纳(美国),1893年,自然主义,布面油画,125×90厘米,汉普顿大学博物馆,汉普顿,维吉尼亚

亨利·奥萨瓦·坦纳(1859-1937)是19世纪最成功的非裔美国人艺术家之一,享有国际声誉,这一点很少有黑人艺术家能达到。他的作品在巴黎的年度沙龙中展出,1897年,他因为自己的作品《拉撒路的复活》得到法国政府为他颁发的奖章。他也是第一名成为美国国家设计学院正式成员的非裔美国艺术家。

坦纳于1860年生于宾夕法尼亚州,3年后《解放奴隶宣言(Emancipation Proclamation)》提出,宣布奴隶制在美国非法。尽管他的宗教风俗画最为出名,坦纳的一个艺术目标,是要激发人们对黑人社区的共情心理。

画中的黑人演奏着班卓琴,这是19世纪绘画的常见主题,坦纳在场景中加入了一些温柔氛围。画中人物的关系并不明确,但是他们的身体很接近,指导演奏的主题、前景中的家居生活用静物,这都为场景注入一些家庭的亲密感。温暖而接近神圣的光沐浴在两人身上,强调出坦纳对他们的关心,同时展现出他在艺术上的超凡技巧。

尽管他在世期间就已经享有盛誉,坦纳后来受到批评,指责他使用明显的“欧洲”风格,从而拒绝了自己的黑人传统。就像他的主题一样,他的作品希望达到社会的合法性,同样也与之前的社会规范有紧密联系。

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铃兰之蛋 by 彼得·卡尔·费博奇

Lilies of the Valley Egg, Peter Carl Faberge(Russia), 1898, Art Nouveau, Gold, enamel, diamond, ruby, velvet, rock crystal and platinum, H(open): 20 cm, Private Collection

铃兰之蛋,彼得·卡尔·费博奇(俄罗斯),1898年,新艺术运动,黄金、珐琅、钻石、红宝石、天鹅绒、石头水晶、白金,高(打开状态):20厘米,私人收藏

这个铃兰之蛋,由费博奇(1846-1920)以新艺术运动风格制作,存世仅有两枚。它的玫瑰粉色交错样式(guilloche)圆顶上,有一颗钻石和红宝石构成的皇冠;它的表面覆盖着绿色珐琅叶、铃兰珍珠和切成玫瑰形的钻石。一个钻石把手可以激活某种机制,显现出三张小肖像照片,是沙皇尼古拉斯二世和他两个大女儿:奥尔加和塔蒂阿娜。这是女皇最喜爱的俄式珍宝之一,她也一直将其放在圣彼得堡冬宫自己的房间里。

来自西伯利亚、高加索和乌拉尔山脉的宝石丰富多样,足以为诱人的构造提供材料来源。1884到1917年,费博奇在为俄国皇家制作56个此类彩蛋时,尝试了140种不同的颜色,令人震惊。费博奇莫斯科工作室主要制作中世纪俄式和意大利文艺复兴时期的珠宝,同时他们也收到当代法国设计影响。铃兰之蛋在1900年法国巴黎的世界博览会删给展出,当时也是新艺术运动的顶峰时期。

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读报的维亚尔夫人 by 维亚尔

Madame Vuillard Reading the Newspaper, Jean-Edouard Vuillard(France), 1898, Intimisme, Oil on Board, 32.2 x 53.3 cm, Phillips Collection, Washington, DC

读报的维亚尔夫人,维亚尔(法国),1898年,亲情主义,纸板油彩,32.2×53.3厘米,菲利普收藏馆,华盛顿

这幅画中的室内场景封闭而又亲密,有一种抽象的特质,就像维亚尔(1868-1940)其他作品一样。墙壁,窗户,家具,人物和报纸全部绘制在纸板表面,而且使用同样的笔触,看起来就像是彩色玻璃窗或是马赛克镶嵌画上面的图像,扁平的构图来自日本版画。每种不同的物体表面都用同样的颜料涂抹方式处理;能够表现出层次感的,只有右下方软椅上的几条红色斜线。

维亚尔描绘的母亲沉静而敏感,可以与皮埃尔·博纳尔的作品相提并论,它拒绝层次,但是其中的暖色调和样式的一致性很不一样:光聚集在红色布料的瓷器和玻璃杯上,阳光为窗帘染上了颜色,维亚尔夫人半透明的耳朵与手有半透明的细节,这些都表现出家居生活细节的神秘之处。

这幅作品至少有一件准备性的习作,其中展现出艺术家是多么用心准备这个室内场景。从这个阶段开始,他继续使用断续的笔触,表现纤毫的细节,为每件东西和人物注入强大的张力。

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湾流 by 温斯洛·霍默

Gulf Stream, Winslow Homer(USA), 1899, Naturalism, Oil on Canvas, 72 x 124 cm, Metropolitan Museum of Art, New York

湾流,温斯洛·霍默(美国),1899年,自然主义,布面油画,72×124厘米,大都市博物馆,纽约

温斯洛·霍默(1836-1910)的职业生涯从插画师开始,他常常创作带有叙事或是寓言意味的画作。虽然他把自己的水彩画看作最得意之作,但他之所以得以闻名、成为19世纪晚期美国重要的海洋画家,是因为他在油画方面的研究,特别是他在1885-1885和1898-1899两次在冬天前往巴拿马之旅中的成果。

这幅作品中揭示的寓意,就算是画家的仰慕者也会感到不安:在一艘桅杆断掉、随浪漂浮的帆船中,尽管远方龙卷风不断接近,周围鲨鱼虎视眈眈,黑人仍要尽力掌控这脆弱的小船;象征了面对毁灭时的英雄主义。

1900年,画作首次展出于宾夕法尼亚艺术学院,成为评论家的争议焦点,画家也多次重新绘制该作品。当时,它的标价为4000美元,已经是天文数字,没人认为能卖出去,但它从那时起就已经获得国际赞誉,因为这是一副描绘欧洲传统海难场景的古典之作。英国画家透纳的《运奴船》和杰里科的《梅杜莎之筏》构成了艺术上的参考,而霍默明显是要挑战这些大师之作。蓝绿色的大海和粉色的天空是个人化的重新演绎,没几个人能用如此华丽的技巧做到这一点。

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