对话 by 马蒂斯

2013.7.5 conversation-1912

Conversation, Henri Matisse(France), c.1909, Fauvism/Early Modernism, Oil on Canvas, 177 x 217 cm, State Hermitage Museum, St Petersburg

对话,亨利·马蒂斯(法国),约1909年,野兽派/早期现代主义,布面油画,177×217厘米,冬宫,圣彼得堡

穿着睡衣的男人,身着黑袍的女人,两人在花园前彼此相对。不考虑标题,似乎两人之间没有什么对话,画面强调的是颜色和造型图案,而非现实主义的叙事。也几乎没什么景深:那花园场景是通过窗户看到的吗?还是只不过是墙上的一幅画?亨利·马蒂斯(1869-1954)不想表现男人的轮廓(也许这就是自画像),他蓝色睡衣上的白色条纹仿佛就是画在墙上,而不是在人的身体上。椅子没入了色调强烈的空间。

毕加索和勃拉克为20世纪艺术的形状与造型的改变铺平道路,而马蒂斯则在20世纪早期的颜色革命中站在排头。马蒂斯已经在19世纪晚期发起了野兽派运动,他和同伴们拒绝印象派的和谐风格,转而拥抱凡·高和高更的亮丽色彩和线条造型,他们要创建更新鲜的现实。在他们的构图和对纯色的装饰性使用上,野兽派的目的是要表达感情,而不是事实。1908年的宣言中,马蒂斯写到:“表现和装潢是同一件事情。”

这幅画的创作在1908年冬天到1909年之间开始,地点位于画家的乡村住宅中,也许直到1912年才完成。整幅画看上去很简单,但是它展现了艺术史的一个转折点。其中有延展的蓝色墙壁、漩涡般的草地、红点和黑色的阿拉伯式花纹,《对话》体现出马蒂斯对于造型图案大师级的掌控,以及他创新使用颜色的方法。

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大路与小路 by 保罗·克利

大路与小路,保罗·克利(瑞士),1929年,包豪斯/现代主义,布面油画,83.7×67.5厘米,路德维希博物馆,科隆

瑞士艺术家保罗·克利(1879-1940)相信:颜色和线条可以将观者传送到超越日常平凡生活的世界,就像音乐可以令听者入迷、出神一样。克利是小提琴演奏家,常常去听歌剧;音乐在他的画中一直有深远影响,颜色则是内在的本质元素。

克利在1920年代担任包豪斯学校的教师,主讲设计,他的理念打开一扇门,让人们可以深入了解他构建于逻辑之上的构图。

在一次充满启示的埃及之旅后,克利绘制了这幅“大路与小路”。之前在突尼斯的旅行,启发了他,让他选择更生动的颜色,放弃了单色色调。埃及的风景是这幅网格状构图的灵感来源,表现出克利的“整体(dividual)”和“单一(individual)”理念框架。“整体”是指作为整体的结构,体现为画中平行的层。“单一”结构由位于平行通道内的小块颜色单元组成,这些通道在冷暖色调之间波动。

此前,立体主义的设计深深影响了克利,但是“大路与小路”的几何形式更松散,让人想起音符,同时也有不完美和变化,表达出他的理念:构图应该自洽,而不是去遵从什么严格的规划。

克利的绘画灵动而充满诗意,常常令人愉悦,成为无数现代艺术家的指路明灯,特别是加泰罗尼亚画家米罗、超现实主义画家和抽象表现主义画家。

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浴盆中的女人体 by 皮埃尔·博纳尔

Nude in the Bath, Pierre Bonnard(France), 1937, Intimisme/Modermism, Oil on Canvas, 93 x 147 cm, Musee d’Art Modeme de la Ville de Paris, Paris

浴盆中的女人体,皮埃尔·博纳尔(法国),1937年,亲情主义/现代主义,布面油画,93×147厘米,巴黎市立现代美术馆,巴黎

保罗·高更的大胆用色和强烈的轮廓对一些年轻的巴黎画家有着强烈影响,他们组成了一个协作小组,名为“预言家(纳比,Les Nabis)”。皮埃尔·博纳尔(1867-1947)就是其中之一。日本的木刻版画也给他带来了灵感,其中的严谨构图、简介的制模和颜色的单纯同样吸引着他,以至于他的朋友们——包括维亚尔(Nabi Edouard Vuillard)——将他成为“日本纳比”。

1893年,博纳尔遇到一个年轻模特,名叫玛莎·波尔丝茵(Marthe Boursin),这是他后来的妻子。他画玛莎几乎用了50年的时间,但是在画布上,玛莎的身体从未老去。在这幅亲密的画作中,虽然玛莎当时已年近60,但她的形体依然年轻年少轻盈。

这幅“浴盆中的女人体”可以与亨利·马蒂斯的作品“对话”相比,因为它同样强调用色的大胆和造型,而不是景深。玛莎身体的曲线和流动的形状,水和浴盆与地面和墙上的几何形状形成对比,墙砖的方格一直延伸,越过外墙上的窗户,内部和外部的界线也模糊了。浴盆的形状已经被破坏,同时给人以私密和幽闭恐惧症之感。多种暖色和冷色的使用,产生闪耀和炙热的效果,而且被多种色值的相似性进一步强化。这幅图像几乎有一种神秘之感,超越了它家居式的场景设置。

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斜躺的人 by 亨利·摩尔

Recumbent Figure, Henry Moore(UK), 1938, Modernism/Primitivism, Hornton Stone, 89 x 132 x 74 cm, Tate, London

斜躺的人,亨利·摩尔(英国),1938年,现代主义/原始主义,霍顿产石灰岩,89x132x74厘米,泰特美术馆,伦敦

作为20世纪最有影响力的英国雕塑家,亨利·摩尔(1898-1986)的灵感来自于非洲、希腊的基克拉迪(Cycladic)群岛和存在于哥伦布发现之前(Pre-Columbian)的美洲等地的艺术传统。他总在探索人的外形,并寻求将自己的雕塑与过去的艺术联系在一起,同时要根除“现代雕塑家眼中希腊雕塑的宏丽”。

“斜躺的人”常被用来与康斯坦丁·布朗库西(Constantin Brancusi)的现代主义雕塑做比较,二者都有简洁的形式,被比较的还有摩尔常常直接从石头上雕刻的技法。(“斜躺的人”与他很多作品一样,使用英国本土产石材,采自牛津郡。)他曾宣称:自己最大的灵感来源,是玛雅一种斜倚的雕塑,名为“查克莫(Chac-mool)”。在这件作品中能看到斜倚的姿态,以及头上巨大的光环。

由康斯坦丁和特纳执掌的英国风景画传统,同时也是摩尔传承的艺术遗产的固有部分。他作品中的生物形态让人同时想起女性人物和风景:“斜躺的人”有突出耸起的膝盖、球状的胸部,让人想起山丘,凹陷和洞暗示悬崖、岩洞峡谷和起伏的斜坡。摩尔说:这种他偏爱的姿势,“斜倚的人物最自由,从构图上和空间上都是如此……它同时表现出自由和稳定。”

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大游行 by 费尔南·莱热

The Great Parade, Fernard Leger(France), 1954, Modernism, Oil on Canvas, 300 x 400 cm, Guggenheim Museum, New York

大游行,费尔南·莱热(法国),1954年,现代主义,布面油画,300×400厘米,古根海姆博物馆,纽约

小丑、荡秋千的演员、音乐家、杂技演员,他们在这幅“大游行”中的黑白框架周围开心地腾跃;蓝色、绿色、橙色和红色的形状响应了蒙德里安使用的调色板。在一战的战壕里面,费尔南·莱热(1881-1955)遇到了来自各行各业的士兵们,他开始感到:有必要要为一般人创作大众化的艺术。他常常使用马戏团作为母题,将其视为社会的水平仪,因为它迷惑了来自社会各个层面的人。

1907年,巴黎的秋季沙龙举办了塞尚回顾展,这深深影响了莱热,他因此放弃了自己受到野兽派启发的风格,并开始研究有体积感的立体主义。

在他服役期间,莱热对机械产生了狂热的新区,这让他与建筑师勒·柯布西耶的纯粹派运动产生共鸣,后者看重秩序、精确和现代产品。“大游行”中的人物周围环绕着批量生产的物品,构成人物的,是简化的、机器般的几何形状。在完成之前,曾经有100多幅素描,有些可以追溯到1947年;这幅充满喜乐的“大游行”最终版完成于莱热死前一年,也是他终生追求的艺术形式的高峰,他希望自己的艺术能够让广大民众欣赏。

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1959年8月(阿尔戈利斯) by 本·尼克尔森

1959, August (Argolis), Ben Nicholson, Oil and pencil on masonite, 122 x 230 cm, Private Collection

1959年8月(阿尔戈利斯),本·尼克尔森,1959年,油彩与铅笔在纤维板上作画,122×230厘米,私人收藏

这幅画作于瑞士南部的一个工作室里,那里可以鸟瞰马乔雷湖。画幅巨大,如同描绘出来的浮雕,似乎合并了桌上的静物和工作室窗口看出去的风景。瓶瓶罐罐的形状得以简化,用铅笔描绘,在三条腿的桌上跳舞、浮动;右下方蓝色的部分感觉像是湖水,左侧的棕色背景可能是收到了后面山的启发。除了使用颜料和铅笔外,尼克尔森剐蹭硬纤维板的表面,形成浮雕效果。静物主题,以及将现实生活物体简化为简单的形状,这都让人回忆起立体主义;作品中流动而又精简的线条类似于马蒂斯的作品。

这是1950年代后期的几幅大型静物作品之一,感情丰富的线条、鲜明的形状、微妙的颜色,一切形成了音乐般的构图。尼克尔森所有作品的标题都具有某种特别的精确性,尽管实际上的地点或者使用的名字可能跟画作没多少关系,甚至一点关系都没有。对他来说,这只是“一种用来识别行李的标签”。阿尔戈利斯是希腊伯罗奔尼撒的一个县。

本·尼克尔森(1894-1982)是一个静物和肖像画家的儿子,他是欧洲大陆与英伦三岛两地艺术家之间的重要一环。在1930年代,他定义了英国的现代主义。从1924年开始,他成为圣艾夫斯流派的代表人物,与他人一起,将康沃尔郡(Cornish)建立为现代主义绘画的一个诞生地。

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吻·布朗库西

The Kiss, Constantin Brancusi, 1907, Stone, 28cm, Muzeul de Arta, Craiova, Romania

吻,康斯坦丁·布朗库西,1907年,石头,高28厘米,克拉约瓦美术馆,罗马尼亚

大雕刻家罗丹最著名的作品,恐怕就是那座“吻”了。它以娴熟的古典主义雕刻技巧,展现了一对恋人的深情一吻。

今天介绍的这座雕刻也叫“吻”,艺术家布朗库西还曾经是罗丹的助手。而他却抛弃了他在艺术学校以及当罗丹助手时所学得的技巧,要获得最大的简化。

多年来,他致力于以立体形式表现“吻”的群像。想想罗丹的“吻”,再看看这个。

米开朗基罗的雕刻观念,是把仿佛正在大理石中沉睡的形象召唤出来,给予人物形象以生命和动态,然而要保留下岩石的简单轮廓。而布朗库西似乎决定要从另一端处理这个问题。他想弄清楚雕刻家可以保留多少原来的石块,而仍能把它转化成一组人像。

似乎这座雕像的感觉跟之前介绍过的贾戈麦蒂的《头像》很接近,不是么?

  1. Konstantin Brancusi’s Sculptural Series “The Kiss” (1907 – 1925)
  2. 艺术的故事》 p 581