网上有很多什么一张图了解西方大师，一张图看懂西方艺术史之类的东东。艺术君也看过一些，我的感觉是：有的是隔靴搔痒，没有说到关键，这还是好的，有的就纯粹是八卦大拼盘，本来是对艺术感兴趣，看了这样的东西，心里只会想：“我只想看城门楼子，你跟我说肩膀头子？”
比起那些“肩膀头子”，艺术君今天要介绍的，才是真正的“城门楼子”，真真正正做到一张图了解西方艺术史，严谨一点，是自文艺复兴以降，到二十世纪五十年代的西方艺术史。
当然了，艺术君还是要声明几点：
艺术阶段的分期没有那么严格，很多时候，身处其中的艺术家没有那么自觉，很多人都不会自认为是某个阶段，即便是一个艺术家，在不同阶段也可能表现出不同的特质。就像这个图中，到了第十一阶段之后，似乎已经很难再对应上特别的流派了。
分阶段了解的目的，是为了更好地欣赏艺术，更好地欣赏一个艺术家的作品，更好地欣赏一幅画，欣赏一幅画中的无数细节，就像叔本华说的：“你必须将一件艺术品看做一个伟大的人，站在 TA 面前，耐心等待，直到 TA 屈尊对你开口。”欣赏的目的，是反馈到对自己生活状态的思考，让自己进一步认识到世界的复杂和丰富，认识到人性的复杂和丰富，认识到自己的复杂和丰富。就像最后一个阶段中提示的：
你，只有你，才是它的主题——艺术家想让你活过来。自己来尝试吧，你，只有你，掌控着颜色里的浩瀚宇宙。
之所以这一张图如此权威，是因为它的创作者Adolph Frederick Reinhardt，人称“Ad” Reinhardt。
Ad Reinhardt，生于1913年，卒于1967年。活了53岁，作为一个艺术家来说，绝对是英年早逝了。他是活跃于纽约的艺术家，属于抽象表现流派，同时，他还参与创办了艺术家俱乐部，写了很多有关艺术评论的文章，做了很多关于的演讲，对于概念艺术、极简艺术和单色绘画（monochrome painting）都有重要影响。他相信：“艺术就应该作为艺术（Art-as-Art）。”
Ad Reinhardt 最为人称道的，是他的讽刺漫画，一针见血，毫不留情，现当代的先锋艺术家常常是他作品中倒霉的对象，而很多人并不以为忤。
有一次，那还是1960年，在美国费城一个很著名的论坛上，他发言讽刺了当时的抽象表现主义画家同道 Motherwell、Jack Tworkov，还有评论家 Harold Rosenberg，这些人就在现场，而观众对此大为不满，表示抗议。可是，被他扎针儿的这几位，不但没有拂袖而去，反而起来为他辩护。
一方面，我们要感慨这些艺术家和评论家的气魄，要搁到现在国内的艺术界，恐怕早已直接挥拳相向了？
另一方面，一定是 Ad Reinhardt 扎得到位，人家也觉得痛，觉得对，甚至觉得爽，否则怎么会如此尊重？
总之，这是一个引人深思的故事。
从1946年开始，Ad Reinhardt 在PM 杂志上发表一系列漫画 How to Look，介绍时人还不太熟悉、甚至无法接受的现代艺术。
今天要给大家看的，就是节选自其中的一幅。老先生用一个杯子做范例，以15张图，说明了西方艺术发展的15个阶段。
在接下来的时间里，艺术君还会陆续翻译、介绍给大家，让大家了解西方艺术的发展脉络，对于艺术的、更真实的看法。
原图如下：
看不清吧？没事，咱们拆开成一小张一小张、也就是一个一个阶段来看。
每张图下面的文字说明了这个阶段的主旨，右边的文字是从技法角度加以阐述。艺术君保留原文，以求方家指正翻译不当之处。
第一阶段——古典阶段：
主旨：“古典式”摹画或描绘杯子，是将其作为固定的、隔离的事物，放置在静态的、空旷的空间中，就这么一直固定下来。
技法：清晰的轮廓线，深远的透视，平滑的阴影，暗色的、“粘稠”的用色
第二阶段——前印象派：
主旨：“光线，是一幅画中最重要的人”，马奈说。我们将杯子打平成一个粗略的、临时的“印象”。
技法：简单、鲜亮的形状，没有阴影，速写般的笔触。
第三阶段——印象派：
主旨：“莫奈是一个眼睛，但这是多么出色的眼睛”。塞尚这么说。杯子融化到氛围中，就像光打在干草堆或是迷雾中。
技法：快速描绘，以捕捉变化的光，没有固定的形状、颜色是破碎的。
第四阶段——后印象派：
主旨：塞尚的主题不再是苹果、人、或者杯子，而是一个颜色和空间形成的结构和韵律。
技法：颜色平面的前进和退缩，分散的线条。
第五阶段——立体主义：
主旨：立体主义把我们的杯子打碎，将空间推到四周，直到它像早期的电影蒙太奇一样，闪闪发光。
技法：多角度透视、反抗空间的相对性、同时性等等。
第六阶段——点彩画派：
主旨：修拉将光打碎为色彩的“点”（就像棱镜一样），你的眼睛会在一定距离上把它们混合起来。
技法：纯黄色的点旁边就是纯蓝色的点，看上去就是绿色的。
第七阶段——重内心表现的后印象派：
主旨：一个人不会想要用这样的杯子喝水，它“表现”了凡高式的内心情感张力。
技法：惊人的颜色条痕，紧张、旋转的线条
第八阶段——进一步发展的表现主义：
主旨：堆积的颜料，让我们更进一步了解鲁奥（Rouault，法国表现主义画家，艺术君也是刚了解到这位艺术家，有空给大家介绍）的情感，而不是杯子之类“外部的东西”。
技法：涂抹的颜色，浓重、粗糙的黑色线条。
第九阶段——未来主义：
主旨：未来主义者试图展示运动中的杯子，这让它看上去像是一条正在走的狗，或者是摇动的尾巴。
技法：如今，频闪式的照相机可以做到这个效果。
第十阶段——构成主义：
主旨：所有杯子和所有事物的本质结构元素。这既是“结构主义者（constructivist）”的全新开始，又是终结。
技法：实在的形状和空间，抽象的颜色和形状。
十一阶段：
主旨：到了某个程度，一个红酒杯变成了非客观的泡泡构成的美丽宇宙。
技法：很多三角形和原型，可以使用尺子和圆规了。
十二阶段：
主旨：对于我们所在的空间来说，绘图员的语言变得太深奥、太理性了。
技法：从上往下、从下往上、从左到右再从右到左，以此安排视角和大小。
十三阶段：
主旨：只有“领悟力”，才能对付这样的主题，然后可以全身而退，不至于迷失其中。
技法：“玩耍”是一个好词，就像《圣经》中耶稣说的：“你们必须重生”。（注：《圣经·新约》约翰福音3·7）
十四阶段：
主旨：“现代”是一个糟糕的词，体现了某种中产阶级的“阉割情节”，云云。
技法：直白、让人昏昏欲睡的扭曲，是最后有主题支撑的创作
十五阶段：
主旨：我们没有止步，而是从一个空白的空间开始。艺术家试图让这个空间活起来——最终，你，只有你，才是它的主题——艺术家想让你活过来。
技法：自己来尝试吧，你，只有你，掌控着颜色里的浩瀚宇宙。
※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※ ※
Like this:
Like Loading...
当时有一位圣朱利安男爵（Baron de Saint-Julien），找到画家杜瓦扬，希望他画这么一幅以自己情妇为主题的画：“我想让你把夫人画在秋千上，背后有个主教推着，你要把我安排在一个好位置，可以看见这个美人儿的腿，如果你想让画面更有趣，不妨把她多画一些。”
接下来分部分介绍，先看最上面 Ad 的话，
空间曾经让人类害怕。空间曾是一个庞然无比、让人耳朵嗡嗡作响的巨大之谜。即便现在，空间（或者人）意味什么，仍旧是一个巨大的谜题。不过，如今我们已经更多地知道它能“做什么”。
过了一些时候，人们认为空间是一个安静的、无法移动的东西，人们和事物可以置于其中。空白的空间也是某种事物，称为“以太”，或是别的什么东西。
“一幅图画”是这个空间的片面表示。在马车时代（和胡佛总统时代）过后，机器开始制作移动的图画——电影，你知道的。
空间一直被看做是三维的，直到爱因斯坦指明：它在“第四维上有一个变形”。（一束光穿越过5千亿年，将会回到它出发的地方。）空间成为事物和时间之间的关系（时空）。
超现实主义艺术中的空间丢失了，建筑是空荡荡的，其中的物体都是死去的，常常是骨骸。这样低级的精神状态画面让人震惊，贪婪、种族仇恨和剥削存续其中。如今的空间已经丧失了自然和人类的尊严。
抽象绘画空间是真实的，崇高，有生气，有情感上的秩序，有智识上的控制。一幅蒙德里安的画，是“去除了所有无关之物的最大程度表达”。如果你喜欢树、牛、裸女的“画”，那么你就喜欢树、牛、裸女，而你也许知道，它们不是“一幅绘画”的扁平空间。
画中文字：
画中文字：“哈哈，这表现了什么？”“你又意味着什么？”
先来看最上面 Ad 的三段话，其中第三段就指出了成为艺术家的两个条件：
四根巨大的石柱，以及旁边的文字，标明了过去人们对于艺术的看法。石柱上方的画框，说明这样的艺术根基来源于希腊和罗马传统，以及由此衍生出来的看法。而站在石柱顶上大放厥词的那个漫画人，用来讽刺守旧的人，他的话都是保守的艺术见解和社会观点。
