Models, Georges Seurat(France), c.1887, Neo-Impressionism/Pointillism, Oil on Canvas, 200 x 200 cm, The Barnes Foundation, Merion Station, Pennsylvania

模特，乔治·修拉（法国），约1887年，新印象派/点画派，布面油画，200×200厘米，巴恩斯基金会，梅里恩站，宾夕法尼亚

在拒绝了印象派的自然主义画法之后，修拉（1859-1891）创新出自己的绘画方法，这种方法与现代化的理想主义相一致，他自己也参与到象征主义先锋派中，同时深入探索色彩理论科学。他曾写道：他的目标，是要建立“一种属于我自己的绘画方法。”修拉着迷于原创，他发明了点画技法：用彼此独立的颜色圆点绘画；这技法让他的图像有一种不变的特质。他描绘的当代场景中，人物都接近雕塑，就像古老建筑的横梁雕带上的图景，这一切与纯洁的色调和强劲的现实主义结合在一起。

这幅作品创作于1886与1888年之间，构图中的模特可能是从不同角度观察的同一个模特，也可能是三个不同女孩同时摆姿势。修拉早期的经典之作《格兰·杰特岛星期天的下午》在背景中显露出一部分，似乎艺术家要让大家思考艺术与生活之间分开的现实。

修拉在32岁离开人世之后，像这样的作品被他的追随者和仰慕者称颂不已，最著名的是新印象派画家保留·西涅克，而修拉一直是19世纪后期法国最有影响力的艺术家之一。

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Madame Vuillard Reading the Newspaper, Jean-Edouard Vuillard(France), 1898, Intimisme, Oil on Board, 32.2 x 53.3 cm, Phillips Collection, Washington, DC

读报的维亚尔夫人，维亚尔（法国），1898年，亲情主义，纸板油彩，32.2×53.3厘米，菲利普收藏馆，华盛顿

这幅画中的室内场景封闭而又亲密，有一种抽象的特质，就像维亚尔（1868-1940）其他作品一样。墙壁，窗户，家具，人物和报纸全部绘制在纸板表面，而且使用同样的笔触，看起来就像是彩色玻璃窗或是马赛克镶嵌画上面的图像，扁平的构图来自日本版画。每种不同的物体表面都用同样的颜料涂抹方式处理；能够表现出层次感的，只有右下方软椅上的几条红色斜线。

维亚尔描绘的母亲沉静而敏感，可以与皮埃尔·博纳尔的作品相提并论，它拒绝层次，但是其中的暖色调和样式的一致性很不一样：光聚集在红色布料的瓷器和玻璃杯上，阳光为窗帘染上了颜色，维亚尔夫人半透明的耳朵与手有半透明的细节，这些都表现出家居生活细节的神秘之处。

这幅作品至少有一件准备性的习作，其中展现出艺术家是多么用心准备这个室内场景。从这个阶段开始，他继续使用断续的笔触，表现纤毫的细节，为每件东西和人物注入强大的张力。

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Savage Tales, Paul Gauguin(France), 1902, Post-Impressionism/Symbolism, Oil on Canvas, 132 x 91 cm, Museum Folkwang, Essen

野蛮人童话，高更（法国），1902年，后印象派/象征主义，布面油画，132×91厘米，弗柯望博物馆，埃森

高更（1848-1903）在生命晚期绘制了这幅《野蛮人童话》（Contes Barbares），那是他第二次居住在法国波利尼西亚群岛的时候。他对欧洲文明及其艺术的狡黠感到失望和厌恶，因此远走他乡，踏上前往世界尽头的旅程，寻找高贵的“野蛮人”、感官的“他者感”，以及浓烈的情感存在。

在《野蛮人童话》中，两个波利尼西亚女子坐在伊甸园般的绿洲中，表情平静。左侧女子是莲花坐姿，让人想起高更对佛教的痴迷。后面蹲踞着一名魔鬼般面孔的欧洲男子，他以高更的朋友梅耶·迪汉（Meyer de Haan）为模特，对比并强调出这些女子的纯真。画中的形状扁平、简洁，强调出蓝色、红棕色、粉色和其他不常用颜色组合而体现出的异国情调，这些颜色也如同音符一般，和谐相融。所有这些最后融合出的效果，超越了印象派绘画的自然主义特征，让人想起神秘、充满象征和内省的王国。

高更的作品最初在欧洲展出时，他最亲近的朋友也感到沮丧，尽管如此，他的风格对20世纪早期的先锋派艺术影响深渊，他坚定不移地相信绘画在幻想上的纯洁性，这也激发了众多追随者的灵感。

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Le Portugais, Georges Braque(France), 1911, Cubism, Oil on Canvas, 117 x 82 cm, Kunstmuseum, Basel

葡萄牙，勃拉克（法国），1911年，立体主义，布面油画，117 x 82 厘米，巴塞尔美术馆，瑞士

这幅勃拉克的《葡萄牙人》与其他立体主义的作品一起，开辟了创作和理解艺术的新方法，不仅动摇了透视发，而且对整个西方的具象视觉艺术传统提出质疑。它的主题是一个男人在酒吧中弹奏一件乐器。墙上有模板化的字母，强化了作品的气氛，而且体现了立体主义关于平面和表面的理念：字母表明挂在酒吧里的海报，但它们存在于画作的扁平表面上，因此说明绘画作品的本质就是一个物体，而不是一个物体的表现。尽管勃拉克和他的立体主义同伴很大胆，他们还是更喜欢传统主题和视觉暗示，可以看到画中男人拿的弦乐器。作品主题几乎完全无法辨识，虽然图像并不完全是用抽象手法表现。

勃拉克生于室内装潢师之家，他在整个职业生涯中使用梳理和磨砂等技术。1907年的两个时间极大塑造了他的艺术：秋天沙龙的塞尚回顾展，他在其中看到了将会对他影响巨大的静物；他与毕加索的作品《阿维农少女》首次相遇。勃拉克与毕加索一起创立了立体主义，他们把形状打碎、扁平化，开始时，他们也限制颜色的使用，比如这幅作品。

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Nude in the Bath, Pierre Bonnard(France), 1937, Intimisme/Modermism, Oil on Canvas, 93 x 147 cm, Musee d’Art Modeme de la Ville de Paris, Paris

浴盆中的女人体，皮埃尔·博纳尔（法国），1937年，亲情主义/现代主义，布面油画，93×147厘米，巴黎市立现代美术馆，巴黎

保罗·高更的大胆用色和强烈的轮廓对一些年轻的巴黎画家有着强烈影响，他们组成了一个协作小组，名为“预言家（纳比，Les Nabis）”。皮埃尔·博纳尔（1867-1947）就是其中之一。日本的木刻版画也给他带来了灵感，其中的严谨构图、简介的制模和颜色的单纯同样吸引着他，以至于他的朋友们——包括维亚尔（Nabi Edouard Vuillard）——将他成为“日本纳比”。

1893年，博纳尔遇到一个年轻模特，名叫玛莎·波尔丝茵（Marthe Boursin），这是他后来的妻子。他画玛莎几乎用了50年的时间，但是在画布上，玛莎的身体从未老去。在这幅亲密的画作中，虽然玛莎当时已年近60，但她的形体依然年轻年少轻盈。

这幅“浴盆中的女人体”可以与亨利·马蒂斯的作品“对话”相比，因为它同样强调用色的大胆和造型，而不是景深。玛莎身体的曲线和流动的形状，水和浴盆与地面和墙上的几何形状形成对比，墙砖的方格一直延伸，越过外墙上的窗户，内部和外部的界线也模糊了。浴盆的形状已经被破坏，同时给人以私密和幽闭恐惧症之感。多种暖色和冷色的使用，产生闪耀和炙热的效果，而且被多种色值的相似性进一步强化。这幅图像几乎有一种神秘之感，超越了它家居式的场景设置。

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White Crucifixion, Marc Chagall(Russia), 1938, Expressionism, Oil on Canvavs, 154 x 140 cm, Art Institute of Chicago, Chicago

钉上白色十字架, 夏加尔, 马克·夏加尔（俄罗斯），1938年，表现主义，布面油画，154 x 140 厘米，芝加哥艺术研究院，芝加哥

马克·夏加尔（1887-1985）生于维特伯斯克（Viciebsk, 现在叫维捷布斯克[viciebsk]，隶属白俄罗斯），他的家庭属于虔诚的犹太哈西德教派（Hassidic），而且他是家里9个孩子的长子。尽管人们现在将他看做是巴黎画派最有影响力的成员之一，他还是将自己视为俄罗斯画家。他的表现主义风格感情丰富、活泼有生气，发展与第一次世界大战之前，在他漫长的生涯中几乎没有改变。

1935年，夏加尔畅游巴勒斯坦、荷兰、西班牙和波兰，对当时法西斯主义的兴起和他亲眼目睹的反犹太主义感到警觉。“钉上白色十字架”绘制于3年之后，仿佛是他看到的一个预言，展现出第二次世界大战中那些灾难和惨剧，还表现纳粹对于犹太人的恐怖活动给他的震动。画面的中心人物明显是犹太人，头戴犹太男人做晨祷时戴的披巾（tallit），被钉在十字架上，周围充满迫害和战争场景。一条亮白色切分开画面，将这遭受折磨的男人沐浴在一道神圣的光束中。

这幅作品是政治宣言，夏加尔在其中放弃了自己常用的表现主义色彩手法，强化了他作为犹太艺术家的身份，而且着重指出他对即将到来的暴行感到的恐惧。

尽管主题是战争和迫害，在模仿民间艺术和孩子般的生命力方面，夏加尔的这幅“钉上白色十字架”无疑与亨利·卢梭的原始主义画作《梦》有着类似之处。 更多艺术堂奥，前往 ArtsHowTo

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The Great Parade, Fernard Leger(France), 1954, Modernism, Oil on Canvas, 300 x 400 cm, Guggenheim Museum, New York

大游行，费尔南·莱热（法国），1954年，现代主义，布面油画，300×400厘米，古根海姆博物馆，纽约

小丑、荡秋千的演员、音乐家、杂技演员，他们在这幅“大游行”中的黑白框架周围开心地腾跃；蓝色、绿色、橙色和红色的形状响应了蒙德里安使用的调色板。在一战的战壕里面，费尔南·莱热（1881-1955）遇到了来自各行各业的士兵们，他开始感到：有必要要为一般人创作大众化的艺术。他常常使用马戏团作为母题，将其视为社会的水平仪，因为它迷惑了来自社会各个层面的人。

1907年，巴黎的秋季沙龙举办了塞尚回顾展，这深深影响了莱热，他因此放弃了自己受到野兽派启发的风格，并开始研究有体积感的立体主义。

在他服役期间，莱热对机械产生了狂热的新区，这让他与建筑师勒·柯布西耶的纯粹派运动产生共鸣，后者看重秩序、精确和现代产品。“大游行”中的人物周围环绕着批量生产的物品，构成人物的，是简化的、机器般的几何形状。在完成之前，曾经有100多幅素描，有些可以追溯到1947年；这幅充满喜乐的“大游行”最终版完成于莱热死前一年，也是他终生追求的艺术形式的高峰，他希望自己的艺术能够让广大民众欣赏。

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Corps de Dame – Chateau d’Etoupe, Jean Dubuffet, 1950, Oil on Canvas, 114 x 88 cm, Allen Memorial Art Museum, Oberlin College, Oberlin, Ohio

女体-大城堡，让·杜布菲，1950年，布面油画，114×88厘米，艾伦纪念艺术博物馆，欧柏林大学，欧柏林，俄亥俄州，美国

让·杜布菲（1901-1985）的这幅《女体-大城堡》属于一系列女性裸体作品，用最粗粝的厚涂颜料绘制而成，其中任性肆意的粗陋公然挑战所有传统。这些人物更像是地形地貌，而不是人的形状。相对于她庞大的身躯，女人的头和胸显得很小；她的身体似乎有着坚硬的外壳，与无数细小的笔画和不规则形状一起，表现出画家的创作过程。

生于专制的葡萄酒商人父亲之家，杜布菲持有坚定的反传统、反政府立场，实际上也就是反文化立场，并因此闻名。他反叛空洞的学院规则，以及它们对于理想美的理念，这先为他赢得恶名，最终让他获得认可。杜布菲只是在41岁时才全身心投入绘画，此前，他对于艺术家的曝名感到不安。他坚持：儿童的艺术有一种情感上的天然和真实，让职业画家的东西看起来显得无关紧要。杜布菲创造了“原生艺术（Art Brut，法语）”这个词汇，用来表述超出布尔乔亚艺术形式的艺术表达，不管是孩子，还是像囚犯或是精神病患这样的边缘人士。

因此，杜布菲本人寻求描绘“完美的自由”，鄙视、嘲笑高品位，并召唤最原始的涂鸦艺术，在颜料中掺以最粗糙的材质，比如沙子或石膏。1948年，他与安德烈·布列东创建了《原生艺术团体》杂志，其中奉精神病患的作品为圭臬。

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