Banjo Lesson, Henry Ossawa Tanner(USA), 1893, Naturalism, Oil on Canvas, 125 x 90 cm, Hampton University Museum, Hampton, Virginia

班卓琴课，亨利·奥萨瓦·坦纳（美国），1893年，自然主义，布面油画，125×90厘米，汉普顿大学博物馆，汉普顿，维吉尼亚

亨利·奥萨瓦·坦纳（1859-1937）是19世纪最成功的非裔美国人艺术家之一，享有国际声誉，这一点很少有黑人艺术家能达到。他的作品在巴黎的年度沙龙中展出，1897年，他因为自己的作品《拉撒路的复活》得到法国政府为他颁发的奖章。他也是第一名成为美国国家设计学院正式成员的非裔美国艺术家。

坦纳于1860年生于宾夕法尼亚州，3年后《解放奴隶宣言（Emancipation Proclamation）》提出，宣布奴隶制在美国非法。尽管他的宗教风俗画最为出名，坦纳的一个艺术目标，是要激发人们对黑人社区的共情心理。

画中的黑人演奏着班卓琴，这是19世纪绘画的常见主题，坦纳在场景中加入了一些温柔氛围。画中人物的关系并不明确，但是他们的身体很接近，指导演奏的主题、前景中的家居生活用静物，这都为场景注入一些家庭的亲密感。温暖而接近神圣的光沐浴在两人身上，强调出坦纳对他们的关心，同时展现出他在艺术上的超凡技巧。

尽管他在世期间就已经享有盛誉，坦纳后来受到批评，指责他使用明显的“欧洲”风格，从而拒绝了自己的黑人传统。就像他的主题一样，他的作品希望达到社会的合法性，同样也与之前的社会规范有紧密联系。

【说明：以上文字内容，部分译自《30,000 Years of Art》，纯属个人爱好，英文版权仍归原作者所有，转载请标明出处。by 郑柯-Bryan，扫描下方二维码，关注“一天一件艺术品”微信公众号】

Gulf Stream, Winslow Homer(USA), 1899, Naturalism, Oil on Canvas, 72 x 124 cm, Metropolitan Museum of Art, New York

湾流，温斯洛·霍默（美国），1899年，自然主义，布面油画，72×124厘米，大都市博物馆，纽约

温斯洛·霍默（1836-1910）的职业生涯从插画师开始，他常常创作带有叙事或是寓言意味的画作。虽然他把自己的水彩画看作最得意之作，但他之所以得以闻名、成为19世纪晚期美国重要的海洋画家，是因为他在油画方面的研究，特别是他在1885-1885和1898-1899两次在冬天前往巴拿马之旅中的成果。

这幅作品中揭示的寓意，就算是画家的仰慕者也会感到不安：在一艘桅杆断掉、随浪漂浮的帆船中，尽管远方龙卷风不断接近，周围鲨鱼虎视眈眈，黑人仍要尽力掌控这脆弱的小船；象征了面对毁灭时的英雄主义。

1900年，画作首次展出于宾夕法尼亚艺术学院，成为评论家的争议焦点，画家也多次重新绘制该作品。当时，它的标价为4000美元，已经是天文数字，没人认为能卖出去，但它从那时起就已经获得国际赞誉，因为这是一副描绘欧洲传统海难场景的古典之作。英国画家透纳的《运奴船》和杰里科的《梅杜莎之筏》构成了艺术上的参考，而霍默明显是要挑战这些大师之作。蓝绿色的大海和粉色的天空是个人化的重新演绎，没几个人能用如此华丽的技巧做到这一点。

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The Repentant Magdalen, Georges de La Tour, c1635/1640, Oil on Canvas, 113 x 92.7 cm, National Gallery of Art, Washington D.C.

忏悔的抹大拉的玛利亚，乔治·德·拉图尔，约1635-1640年，布面油画，113 x 92.7厘米，国家美术馆，华盛顿

在《新约》中，抹大拉的马利亚是个妓女，受耶稣感召，成为信徒。因为她过去犯下的罪和她后来的忏悔行为，她成为忏悔仪式（Sacrament of Penance）的象征。

画中的马利亚，面貌沉静，看不出她过去犯下的罪，只有露出的左肩能提供一点点线索（这一点在昨天介绍的《窗前两妇人》也有体现），但是也并不明显。她左手摸头盖骨，右手托腮，沉思时，眼睛望着前面的镜子，还有镜中的头骨。头骨和镜子，都是生命易逝的象征。

她的面前，是画中唯一的光源——一支蜡烛，这蜡烛被头骨遮盖，整个画面的主体因此被黑暗占据，同时笼罩着神秘的气氛。然而，蜡烛也为马利亚恬静的脸庞上投射一层金黄色的圣洁之光。

乔治·德·拉图尔注重由卡拉瓦乔的传统衍生而来的光-影二重性，并将之化为一种近乎简约的个人风格——形象轮廓简洁、不加雕琢。他的作品中，一些通俗题材的作品更广为人知，他曾绘制多幅关于赌博和出老千的风俗画，也许是其中人性的冲突令他入迷吧。

1. The Repentant Magdalen
2. 《温迪嬷嬷讲述绘画的故事》 p 223

The Crucifixion of Saint Peter, Caravagio

1601年，画布油画，230 x 175 厘米，罗马，圣玛利亚德尔波波洛教堂切拉西礼拜堂

背景：

彼得原来是加利利海边的渔夫，与耶稣的第一个门徒安德烈是兄弟，在安德烈的引荐下，彼得得以成为耶稣最初的门徒之一。在耶稣死后，彼得成为使徒中的领导，使徒彼得、约翰与主的兄弟雅各，被称为教会的三大柱石。基督教圣经中记载耶稣曾在被捕之前预言，彼得会在鸡啼以前连续三次不肯承认认识他。结果，他在耶稣被审讯时因为害怕，果然三次不肯承认与耶稣的关係。为此，彼得一直都很后悔。所以后来当他在罗马殉教之时，在行刑者要把他挂在十字架上时，他要求把他倒过来，因为他自觉不配与耶稣同样的死法。

解读：

这幅画正是圣彼得被钉上十字架后，十字架正要竖起来时的场景。三个行刑者都没有得到正面刻画，观者看不到他们的眼睛，而他们的身体语言似乎在说明：他们已经倾尽全力，但要抬起这样一个老人的身体，他们似乎已经不堪重负。再看最上方的行刑者，他虽然努力拉动绳子，但整个体态非常像是背负着十字架踯躅前行的罪人。

圣彼得脸上没有一般受刑者因极度痛苦而狰狞的表情，他用一只手努力支撑起他强壮有力的身体，将眼睛望向画外，让人不由得想知道：他在看谁？他的眼神中似乎带有一丝期许，似乎是在告诉他所望之人：你们要继续我的事业，去挽救世上有罪的人。

画家卡拉瓦乔，被称为开创了“自然主义”体系，他“摒弃理想化的表现方法，在写实上别开生面。以他为标志，欧洲绘画愈益加强了人的描绘，也就是说以人为主题的绘画逐渐代替了以神为主题的绘画”[7]。在他之前，以宗教为主题的绘画总是着力表现宗教人物和角色的完美，都是阳春白雪，不食人间烟火。而他则常常以下里巴人为模特入画，他的圣母仿佛邻家女孩，他笔下年轻的耶稣，更像是每天和你打招呼的、隔壁王大爷家刚上大学的小儿子。在他另一幅名作《圣母升天》中，有谣传说：那生命因死亡而更得以升华、升天的圣母，其模特是一个溺水而亡的妓女。当时的教会和委托人因此而指责他离经叛道，也就不足为奇。可仔细想一想，对于以宗教为唯一救赎的饮车卖浆之人而言，那完美的天使、圣母、圣徒，此前绘画中对这些形象的理想化表达更像是一种欺骗：这些现实生活中不存在的人物，怎么能告诉我如何在面对锅碗瓢盆和柴米油盐的时候，还能寻找神性？而卡拉瓦乔，“在艺术中，是他第一次全面正视人类的生存现实，人性的升华与堕落、它的荣耀与卑下的物欲，他都尽收眼底，并以爱化之为伟大的艺术”[8]。“往往是那些捧读《圣经》最虔诚、最专心的艺术家才试图在脑海中构思神圣事迹的崭新画面。”[9]

卡拉瓦乔在光影和明暗的处理上更是开一代风气之先河：“在他以前，绘画中光的功能必须强调神的威严，照明集中在画面作主角地位的神的身上。显然光的亮度并不强烈，与后来的绘画相比，它只给人以朦胧的感觉。卡拉瓦乔把光照的亮度增加了，并且把日光变成照明的光，因而光影单纯、清晰，从而体积感也加强了，使人物具有雕刻般的重量感。由于灯光照明的关系，或者由于强调画面的主要部分，背景往往是暗褐色的，画中明暗的对比也因而更显强烈。”[7]

参考资料：

1. St. Peter – Olga’s Gallery
2. Crucifixion of St. Peter (Caravaggio) – Wikipedia, the free encyclopedia
3. 西门彼得 – 维基百科
4. Caravaggio: The Crucifixion of St Peter 
5. Great Works: Crucifixion of St Peter, 1601 (230cm x 175cm), Caravaggio – Great Works – Art – The Independent 
6. Caravaggio _ Peter 
7. 《欧洲绘画史》p 118
8. 《温迪嬷嬷讲述绘画的故事》 p 178
9. 《艺术的故事》 p 30