Roses of Heliogabalus, Lawrence Alma-Tadema(UK), 1888, Fie de siecle/Victorian Period, Oil on Canvas, 132 x 213 cm, Private Collection

黑利阿迦巴鲁斯的玫瑰，劳伦斯·阿尔玛-塔德玛（英国），1888年，世纪末、维多利亚时期，布面油画，132×213厘米，私人收藏

1866年，拉斐尔前派的西米恩·所罗门（Simeon Solomon）创作了一幅水彩画，其中描绘了罗马帝国皇帝黑利阿迦巴鲁斯，画风令人陶醉，又让人绵软无力。黑利阿迦巴鲁斯被自己的禁卫队卫士所杀，但在此之前，他纵情色欲、酒池肉林、荒淫奢靡，而又嗜杀成性。据说，他在举办一次大型盛宴和狂欢的时候，安排了无数的花，倒在喝醉的宾客身上，令他们窒息而死。在19世纪后期，作家和艺术家发掘了这罗马历史的反英雄式人物，将其视为荼蘼到极端的代表人。

这幅劳伦斯·阿尔玛-塔德玛（1836-1912）的作品于1888年在伦敦展出，侧重于表达美感，而不是黑利阿迦巴鲁斯的残忍，这种方式也标志着英国艺术的根本转变。

受害者们似乎轻易死去，帝王靠在自己的宝座上，对此场景毫不动心。享乐的氛围很容易看出来：优雅的女性诗琴演奏者背对屠杀，望向远方的意大利式山景。

随着花朵落下，艺术家将玫瑰花瓣与死亡并置在一起，营造出兴奋、刺激的图景。最初的故事来自于吉本的《罗马帝国衰亡史》，帝王用暴力和其他花朵谋杀了他的客人，但是劳伦斯·阿尔玛-塔德玛选择描绘玫瑰，表明维多利亚时代的花朵是淫欲的象征。

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Trabuc, Attendant at Saint-Paul’s Hospital, Vincent van Gogh(Netherlands), 1889, Post-Impressionism, Oil on Canvas, 61 x 46 cm, Kunstmuseum, Solothum, Swithzerland

特拉比克，圣保罗医院的接待员，凡·高（荷兰），1889年，后印象派，布面油画，61×46厘米，索洛图恩美术馆，瑞士

在他相对不长的绘画生涯中，凡·高（1853-1890）创作了很多肖像画。这些肖像画全部具有强有力的色彩和构图，令人望之而生强烈的存在感。

1889年，凡·高是圣雷米市（Saint Remy）圣保罗医院的病人，他当时为接待员特拉比克和他的妻子绘制了肖像。这个男人令画家十分着迷。“一张很有趣的脸”，凡·高在给自己弟弟提奥的信中这样写。画作中的颜料使用粗犷而写实，铺陈的方式表现在接待员脸上交叉纵横的线条上，体现出他的感情，甚至他遭受的苦难。但是也有一种温文尔雅的气质，这在凡·高很多出色的肖像画中都有体现，其标志就是紧系的领结和紧扣着外套的黄色纽扣。

凡·高十分喜欢这幅肖像，此后他又画了一幅，并送给了他的弟弟，现在人们知道的是这个版本。原作被画家送给了模特，从那之后就消失了。

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The Night, Ferdinand Hodler(Switzerland), 1890, Symbolism, Oil on Canvas, 299 x 116 cm, Kunstmuseum, Berne

夜，费迪南德·霍德勒（瑞士），1890年，象征主义，布面油画，299×116厘米，伯尔尼美术馆

费迪南德·霍德勒（1853-1918）是唯一一名享誉国际的瑞士艺术家，他绝大部分职业生涯都在瑞士度过，而且创作主题主要选自瑞士。他一直游离于欧洲艺术主流之外，但是他的第一幅重要作品——《夜》，其中他描绘了深奥难懂的梦幻世界，体现出象征主义对他的影响。这幅作品由于被认为过于猥亵，被日内瓦展览拒绝，但是在1891年的巴黎战神广场沙龙上展出，吸引了主要象征主义画家和公众的关注。

隐喻般的黑色场景，表现了睡眠、梦幻和死亡的主题。艺术家将自己描绘为中间的人物，用布帘遮盖的死亡幽灵将他从睡梦中惊醒；其他人物仍然毫无知觉。

霍德勒对于裸体进行了详细的研究，他认为真实比美更重要，并在这幅画中表现出他对于充满表现力的姿势的喜爱。在这里，他创造出一种独特的构图风格：线条、形状和颜色构成清晰的节奏；他称之为平行主义（Parallelism）。霍德勒的风格有力而且有原创性，现在被视为表现主义的先驱。

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Banjo Lesson, Henry Ossawa Tanner(USA), 1893, Naturalism, Oil on Canvas, 125 x 90 cm, Hampton University Museum, Hampton, Virginia

班卓琴课，亨利·奥萨瓦·坦纳（美国），1893年，自然主义，布面油画，125×90厘米，汉普顿大学博物馆，汉普顿，维吉尼亚

亨利·奥萨瓦·坦纳（1859-1937）是19世纪最成功的非裔美国人艺术家之一，享有国际声誉，这一点很少有黑人艺术家能达到。他的作品在巴黎的年度沙龙中展出，1897年，他因为自己的作品《拉撒路的复活》得到法国政府为他颁发的奖章。他也是第一名成为美国国家设计学院正式成员的非裔美国艺术家。

坦纳于1860年生于宾夕法尼亚州，3年后《解放奴隶宣言（Emancipation Proclamation）》提出，宣布奴隶制在美国非法。尽管他的宗教风俗画最为出名，坦纳的一个艺术目标，是要激发人们对黑人社区的共情心理。

画中的黑人演奏着班卓琴，这是19世纪绘画的常见主题，坦纳在场景中加入了一些温柔氛围。画中人物的关系并不明确，但是他们的身体很接近，指导演奏的主题、前景中的家居生活用静物，这都为场景注入一些家庭的亲密感。温暖而接近神圣的光沐浴在两人身上，强调出坦纳对他们的关心，同时展现出他在艺术上的超凡技巧。

尽管他在世期间就已经享有盛誉，坦纳后来受到批评，指责他使用明显的“欧洲”风格，从而拒绝了自己的黑人传统。就像他的主题一样，他的作品希望达到社会的合法性，同样也与之前的社会规范有紧密联系。

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Madame Vuillard Reading the Newspaper, Jean-Edouard Vuillard(France), 1898, Intimisme, Oil on Board, 32.2 x 53.3 cm, Phillips Collection, Washington, DC

读报的维亚尔夫人，维亚尔（法国），1898年，亲情主义，纸板油彩，32.2×53.3厘米，菲利普收藏馆，华盛顿

这幅画中的室内场景封闭而又亲密，有一种抽象的特质，就像维亚尔（1868-1940）其他作品一样。墙壁，窗户，家具，人物和报纸全部绘制在纸板表面，而且使用同样的笔触，看起来就像是彩色玻璃窗或是马赛克镶嵌画上面的图像，扁平的构图来自日本版画。每种不同的物体表面都用同样的颜料涂抹方式处理；能够表现出层次感的，只有右下方软椅上的几条红色斜线。

维亚尔描绘的母亲沉静而敏感，可以与皮埃尔·博纳尔的作品相提并论，它拒绝层次，但是其中的暖色调和样式的一致性很不一样：光聚集在红色布料的瓷器和玻璃杯上，阳光为窗帘染上了颜色，维亚尔夫人半透明的耳朵与手有半透明的细节，这些都表现出家居生活细节的神秘之处。

这幅作品至少有一件准备性的习作，其中展现出艺术家是多么用心准备这个室内场景。从这个阶段开始，他继续使用断续的笔触，表现纤毫的细节，为每件东西和人物注入强大的张力。

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Gulf Stream, Winslow Homer(USA), 1899, Naturalism, Oil on Canvas, 72 x 124 cm, Metropolitan Museum of Art, New York

湾流，温斯洛·霍默（美国），1899年，自然主义，布面油画，72×124厘米，大都市博物馆，纽约

温斯洛·霍默（1836-1910）的职业生涯从插画师开始，他常常创作带有叙事或是寓言意味的画作。虽然他把自己的水彩画看作最得意之作，但他之所以得以闻名、成为19世纪晚期美国重要的海洋画家，是因为他在油画方面的研究，特别是他在1885-1885和1898-1899两次在冬天前往巴拿马之旅中的成果。

这幅作品中揭示的寓意，就算是画家的仰慕者也会感到不安：在一艘桅杆断掉、随浪漂浮的帆船中，尽管远方龙卷风不断接近，周围鲨鱼虎视眈眈，黑人仍要尽力掌控这脆弱的小船；象征了面对毁灭时的英雄主义。

1900年，画作首次展出于宾夕法尼亚艺术学院，成为评论家的争议焦点，画家也多次重新绘制该作品。当时，它的标价为4000美元，已经是天文数字，没人认为能卖出去，但它从那时起就已经获得国际赞誉，因为这是一副描绘欧洲传统海难场景的古典之作。英国画家透纳的《运奴船》和杰里科的《梅杜莎之筏》构成了艺术上的参考，而霍默明显是要挑战这些大师之作。蓝绿色的大海和粉色的天空是个人化的重新演绎，没几个人能用如此华丽的技巧做到这一点。

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Savage Tales, Paul Gauguin(France), 1902, Post-Impressionism/Symbolism, Oil on Canvas, 132 x 91 cm, Museum Folkwang, Essen

野蛮人童话，高更（法国），1902年，后印象派/象征主义，布面油画，132×91厘米，弗柯望博物馆，埃森

高更（1848-1903）在生命晚期绘制了这幅《野蛮人童话》（Contes Barbares），那是他第二次居住在法国波利尼西亚群岛的时候。他对欧洲文明及其艺术的狡黠感到失望和厌恶，因此远走他乡，踏上前往世界尽头的旅程，寻找高贵的“野蛮人”、感官的“他者感”，以及浓烈的情感存在。

在《野蛮人童话》中，两个波利尼西亚女子坐在伊甸园般的绿洲中，表情平静。左侧女子是莲花坐姿，让人想起高更对佛教的痴迷。后面蹲踞着一名魔鬼般面孔的欧洲男子，他以高更的朋友梅耶·迪汉（Meyer de Haan）为模特，对比并强调出这些女子的纯真。画中的形状扁平、简洁，强调出蓝色、红棕色、粉色和其他不常用颜色组合而体现出的异国情调，这些颜色也如同音符一般，和谐相融。所有这些最后融合出的效果，超越了印象派绘画的自然主义特征，让人想起神秘、充满象征和内省的王国。

高更的作品最初在欧洲展出时，他最亲近的朋友也感到沮丧，尽管如此，他的风格对20世纪早期的先锋派艺术影响深渊，他坚定不移地相信绘画在幻想上的纯洁性，这也激发了众多追随者的灵感。

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Les Demoiselles d’Aiglon, Pablo Picasso(Spain), 1907, Proto-Cubism, Oil on Canvas, 244 x 235 cm, MoMA, New York

阿维农少女，毕加索（西班牙），1907年，原始立体主义，布面油画，244×235厘米，MoMA，纽约

《阿维农少女》被看作是现代艺术的奠基之作，也是开创了立体主义的绘画作品。“洗衣船（Bateau-Lavoir）”是巴黎人最传奇的先锋艺术家的工作室，当巴布罗·毕加索（1881-1973）在这里向大家展现这幅画时，他的朋友们都被其中的残酷和革命性的人物形象震惊，这些任务都有锋利的表面和杂乱的形体。画作直到1916年才对公众展出。

当代艺术评论家安德雷·萨尔芒给予这幅作品它现在的名字，暗示了这些女性的职业。阿维农（Avingo, Avignon）是巴塞罗那一条街道的名字，其中有一所声名狼藉的妓院。最初的构图中有男性角色，但最后完成的作品已经不需要解释：五名女性妓女身体扭曲、变形、交错，直接面对观者，其中两名把幕布推在一边，其他人摆出色情的姿势。

在《阿维农少女》之前，毕加索已经探索了如何分析、简化图画的形式。这幅作品中混合了几种方法：人物的外表、她们周围的环境、她们的脸综合了非洲面具、伊比利亚风格化的艺术、以及埃尔·格列柯的影响。这些都标志着毕加索艺术的一个演化、过渡期，他开始转向成熟的立体主义，使用复杂的几何形状。

毕加索身兼画家、雕塑家、陶艺家、制图员、版画家等多种身份，他大概是20世纪最具影响力的艺术家了，在20世纪艺术发展中起到主导作用。即使是没有直接受他影响的艺术家，也无法避免其各种各样的潜在作用。

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Conversation, Henri Matisse(France), c.1909, Fauvism/Early Modernism, Oil on Canvas, 177 x 217 cm, State Hermitage Museum, St Petersburg

对话，亨利·马蒂斯（法国），约1909年，野兽派/早期现代主义，布面油画，177×217厘米，冬宫，圣彼得堡

穿着睡衣的男人，身着黑袍的女人，两人在花园前彼此相对。不考虑标题，似乎两人之间没有什么对话，画面强调的是颜色和造型图案，而非现实主义的叙事。也几乎没什么景深：那花园场景是通过窗户看到的吗？还是只不过是墙上的一幅画？亨利·马蒂斯（1869-1954）不想表现男人的轮廓（也许这就是自画像），他蓝色睡衣上的白色条纹仿佛就是画在墙上，而不是在人的身体上。椅子没入了色调强烈的空间。

毕加索和勃拉克为20世纪艺术的形状与造型的改变铺平道路，而马蒂斯则在20世纪早期的颜色革命中站在排头。马蒂斯已经在19世纪晚期发起了野兽派运动，他和同伴们拒绝印象派的和谐风格，转而拥抱凡·高和高更的亮丽色彩和线条造型，他们要创建更新鲜的现实。在他们的构图和对纯色的装饰性使用上，野兽派的目的是要表达感情，而不是事实。1908年的宣言中，马蒂斯写到：“表现和装潢是同一件事情。”

这幅画的创作在1908年冬天到1909年之间开始，地点位于画家的乡村住宅中，也许直到1912年才完成。整幅画看上去很简单，但是它展现了艺术史的一个转折点。其中有延展的蓝色墙壁、漩涡般的草地、红点和黑色的阿拉伯式花纹，《对话》体现出马蒂斯对于造型图案大师级的掌控，以及他创新使用颜色的方法。

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Self-portrait with Model, Ernst Ludwig Kirchner(Germany), 1910, Die Brucke/Expressionism, Oil on Canvas, 150 x 100 cm, Hamburger Kunsthhalle, Hamburg

与模特在一起的自画像，厄恩斯特·路德维希·基希纳（德国），1910年，后战地（布鲁克，“桥”派）/表现主义，布面油画，150 x 100厘米，汉堡美术馆

1905的德累斯顿，四名建筑系的学生：福里茨·布莱依尔（Fritz Bleyl）、埃里希·黑克尔(Erich Heckel)、卡尔·施密特-罗特鲁夫（Karl Schmidt-Rottluff）与厄恩斯特·路德维格·克尔赫纳（Ernst Ludwig Kirchner），构成了德国表现主义画家小组——后战地（布鲁克，又名“桥”派）派。他们的目标是要在现实与更美好、更完美的未来之间搭建一个“桥梁”。该小组拒绝当时流行的学院派、现实主义和印象派风格。实际上，他们更注意后印象派画家，比如梵高、保罗·高更，还有德国的中世纪、文艺复兴、原始艺术和新艺术运动（Art Nouveau），他们希望创建全新的、表现主义风格艺术。

当时欧洲处于一战边缘，基希纳的作品中对欧洲这种痛苦状态的回响。他的人物常处于紧张和扭曲状态，似乎要传达不安的情绪。在这幅《与模特在一起的自画像》中，画家将自己描绘成正对着观众，他的女性模特坐在右侧，颜色生动，外形生硬、简朴，破坏了通常的透视方法，为构图中添加了郁积的张力。这种方法是典型的表现主义风格，其中不成熟、主观的感觉似乎完全颠覆了客观观察。面具一般的脸提升了心理上的戏剧性。

基希纳曾经在一战中受到心理创伤，纳粹的崛起、不断恶化的健康状况让他的不安全感反复加深，直到1938年，他自杀身亡。

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