Untitled(Violet, Black, Orange, Yellow on White and Red), Mark Rothko, 1949, Oil on Canvas, 207 x 167.5 cm, Guggenheim Museum, New York

无题（白红底色紫黑橙黄），罗斯科，1949年，布面油画，207×167.5厘米，古根海姆美术馆，纽约

绘制这幅作品时，罗斯科正到达其余的成熟期。作品在视觉风格上高度微妙精细，而且独树一帜。画面的表现力在于一系列明亮色彩矩形并置排列带来的视觉效果。

这幅画与他在20世纪40年代晚期创作的很多作品类似，在尺寸比例上比正常人体要更大一些，这就改变了画作与观众之间的关系。画面的色块看上去仿佛略微悬浮在画布载体的前方，画幅的这种尺寸对营造此番视觉印象起到了一定作用。

罗斯科完全清楚他的作品在当时所具有的感染力。他在1951年说道：“选择绘制大尺寸画幅，精确地来说，是因为我想与画作非常亲近，让作品更具人性气息。画小幅作品是将自己置于（绘画）体验之外，而画大幅作品时，你也置身于画作之中。”罗斯科的精神个体沉浸、融合于画面之中，这种追求完全是通过他对于色彩高度敏锐的——甚至可以说是超自然的——掌控才得以实现。

这幅作品中的橙色区块将画面中心的两个主要部分连缀在一起。画面上部重浊不透明的红色仿佛流淌渗透进画面底部的透亮黄色，罗斯科以此在上下两部分色块之间呈现出一块半透明的连接带。这既是物理空间上，也是视觉光学感观上的连接。

中间的黑色长条将画面一分为二，隔开上面的红色与下半部分，而下半部分一定程度上看起来仿佛是上方红色色块的投射倒影。这条黑线也将上半部分相对均匀平滑的色彩与下方更明显变化的笔触区分开来。罗斯科的绘画强调形状、线条，还有最重要的色彩。他将这些作为画面的基本特质加以运用，而且完全倚重于这些元素自身，而不是将其当做具象再现的手段。

画面主体围绕的白色构成一个框架，并进一步强化了中间色彩的色度值。同时，白色框左右流动的红色又强化了这一圈白色边框。结果，整个画面影响看起来仿佛悬浮在一片中性色背景上。

而光亮的黄色与红色相结合，构成画面的中心影像。罗斯科运用这些色彩时，并非只是将色彩用作其他主体图像的“皮肤”或“外衣”，而是专注于强烈、纯净的色彩自身。这种纯色可让画布本身的色彩闪耀，而不只是反射或者吸收外部的投射光。

更多艺术堂奥，前往 ArtsHowTo

【说明：以上文字内容，摘自《艺术通史》，纯属个人爱好，版权仍归出版方所有。by 郑柯-Bryan】

Untitled, Mark Rothko, 1967, Oil on Canvas, 173 x 153 cm, Private Collection

无题，马克·罗斯科，1967年，布面油画，173×153厘米，私人收藏

马克·罗斯科无疑是美国20世纪最重要的画家之一。1947年到1949年，罗斯科与克利夫特·斯蒂尔（Clyfford Still）在加利福尼亚美术学校授课。从那时起，他就全面转向了抽象风格，作品中完全没有任何具象形象。1948年，他设立了“画家主题（The Subjects of the Artists）”独立艺术学派，与他一起的有罗伯特·马瑟韦尔（Robert Motherwell）、威廉姆·巴齐奥蒂（William Baziotes）、巴奈特·纽曼（Barnett Newman）等人。1959年，纽约西格拉姆大厦（Seagram Building）的四季餐厅出资，邀请他绘制系列画作，该餐厅由密斯·范·德·罗（Mies van der Rohe）和菲利普·约翰逊（Philip Johnson）设计，但他后来从项目中撤出，认为这个地方不合适。相关画作成为伦敦泰特美术馆的收藏。

从罗斯科的成熟期开始，他就绘制名为“无题”的作品。他在其中使用的色调比生涯早期要昏暗、阴沉。评论家和艺术史学者认为：此种选择是他自己脆弱心理的反映——在绘制完这幅作品后三年，他试图自杀。

仔细观察这幅画，其中大块昏暗颜色表现出的忧郁很容易让观者不堪重负。占主导地位的粉色和红色，常常与明亮联系在一起，在画中却无法消除黑暗给人的印象，这种印象又被底部的深黑色颜料强化。罗斯科强调：即使这种作品看起来很“抽象”，他却从未停止描绘人的形象——不过不是用具象的语言，而是用形状和符号。

更多艺术堂奥，前往 ArtsHowTo

【说明：以上文字内容，部分译自《1001 Paintings You Must See Before You Die》，纯属个人爱好，英文版权仍归原作者所有，转载请标明出处。by 郑柯-Bryan】